A force de parler de reprises, il devient curieux que je n'aie toujours pas ouvert de rubrique sur ce thème. Esprit de contradiction, sans doute, envers la mode actuelle qui leur fait la part belle.

Il y a des stars de la reprise. Je ne parle pas des artistes qui s'en font une spécialité, mais de chansons passés entre tant de mains et de bouches qu'on pourrait en remplir de pleins coffrets. D'ailleurs c'est ce qu'on a fait il y a 3-4 ans, mais j'ai laissé passé l'occasion et je ne me souviens plus si c'était une compilation de reprises de Fever ou de The girl from Ipanema.

Mais ce n'est pas dans les années 50 que je puise notre star du jour. Light my fire, voilà un titre si chaud, si parfaitement interprété par les Doors, qu'on devrait plaindre les inconscients qui se sont frottés à la reprendre.
Sauf que... on en trouve de très belles. Vous pouvez suivre en musique tout au long de cette page. Commençons le premier volet, orienté soul-funk, un second suivra.

Deux d'entre elles sont plus connues. D'abord la version ultra disco d'Amii Stewart (ci-dessous), sur l'album dont Knock on wood est le véritable tube. D'ailleurs ce dernier est nettement plus efficace que son Light my fire, mais le martèlement discoïde et les arrangements roccoco, putassiers au possible, collent malgré tout assez bien à ce titre qui pue du cul et sue des mains à des kilomètres. Loin d'être une chanson d'amour, ce morceau est avant tout un hymne au sexe, voire au sexe sans lendemain. Chantées en 1967, année du "summer of love" dont tous les médias vous rebachent cette année, les paroles se permettent même une franchise autrefois interdite et aujourd'hui suspectes de cynisme. "Tu sais que je ne serais pas sincère, gamine, si je te disais qu'on ne pourrait pas plus se la donner. Viens chérie, mets moi le feu !"


A peine chanté par les Doors, ce tube fut repris aussitôt et mis à toutes les sauces. Bluesy, chaud et brutal chez les Doors (bref, comme Morrison), il devient plus languide et caressant, presque compréhensif, chez certaines interprètes féminines.
Car, ironie du rock, ce sont surtout des femmes qui ont repris ce titre. Ce qu'on comprendra, au choix, comme la preuve que c'est aux femmes que la musique donne pour mission de nous faire guili dans le froc (Donna Summer, Lyn Collins), ou au contraire l'illustration du féminisme, grâce auquel les femmes ont enfin le droit d'exprimer leur désir sexuel et de demander plus de jouissance (confer ici).

En tout cas c'est bien une femme qui chante la 3e version la plus entendue de tous les temps. Shirley Bassey, célébrissime interprète de Goldfinger et Diamonds are forever, l'a gravée chez le label Capitol, racheté par Blue note. Vous l'avez sans doute trouvée, par conséquent, sur l'une des compilations Blue break beats. Big bang, arrangements foisonnants, on change de registre, mais on gagne malgré tout en dramaturgie avec cette version, qui pousse très loin le crescendo, climax, decrescendo, finale. A l'évocation de Morrison, succède le mimétisme. Un très grand moment  de l'histoire de la reprise. Et une version sans doute indépassable. La voici.

La vérité de Minnie Ripperton, sublimissime perle soul qu'on ne vénèrera jamais assez, est dans les pas de Shirley Bassey. En dehors d'une intro à se tremper les chaussettes, la suite du morceau est proche de celle de Shirley, en un tantinet plus funky et avec une voix d'homme en duo. La qualité du style a été privilégiée à l'originalité, mais c'est si bon qu'on peine à se plaindre. La preuve.

Les challengers ne manquent pas sur la scène groove langoureux. Erma Franklin n'a pas réussi à se faire un prénom malgré sa reprise tout à fait correcte malgré un saxo trop appuyé, entre Sam & Dave et Al Green, dont la seule version connue est un live pirate au son exécrable. Et elle n'est pas impérissable. Les Four tops, avec leur dose de gomina habituelle, font penser à des vieux beaux super classe, qui racontent aux jeunes femmes leurs conquêtes en savourant le thé, l'air de rien mais une lueur salace dans le regard. L'occasion de réaliser tout ce qui les sépare des Platters (en mieux), et  qu'à la grande époque la Motown pondait effectivement quinze tubes par jour. Rhetta Hugues s'en sort joliment elle aussi, dans un registre très Motown mais relevé de touches de vibraphone et de flute de bon goût, mieux venues que les choeurs qui n'ont pas un timbre aussi intéressant que le sien.

Tammi Lyn, avec une orchestration un peu fruste, donc moins relevée que celles qui viennent d'être citées, revient au coeur du sujet. Appuyée sur quelques murmures mâles, elle fait l'ingénue aguicheuse, la fille aux soquettes blanches qui danse en soulevant sa robe pour faire baver les mecs. A fond dans son rôle d'allumeuse, elle remet la voix et les paroles au premier plan. Alors que les pénibles New York disco machine ne font qu'un plagiat poussif de la version d'Amii Stewart.

Les soulmen des années 68-75 sont pour moi une source de bonheur sans cesse renouvelé. Certes, les Friends of distinction qui ont déjà atteint les sommets peuvent paraître un peu décevants sur ce morceau. Isaac Hayes a parfois massacré des reprises dans des proportions indescriptibles, mais sa version live de Light my fire a de l'allure. Elle est rapide, très rythmique (limite rap), débarrassée des nappes de cordes chiantes qu'il ne savait pas utiliser correctement, bref elle se concentre sur l'essentiel, et ce qu'on perd en sexualité on le regagne en brio. Mais pour un funk ça manque de braguette ouverte, quand même. C'est très curieux cette difficulté des funkateers à sortir les petites culottes sur ce titre, alors que les soulmen y font des merveilles. Steve Gray est la preuve par 9 de cet échec, musicalement ça tient debout, dans un registre proche de Headhunters de Herbie Hancock, mais rien à faire, on s'emmerde du début à la fin. Alors que Stevie Wonder, sans surprise, envoie du bois avec réussite, bien qu'il ait un peu chargé la barque surtout dans ses effets vocaux. A condition de supporter son harmonica...

Bien avant Stewart, c'est pour une fois un homme qui a repris le morceau avec feeling et intelligence. José Feliciano, qui a du beaucoup comprendre en écoutant Edu Lobo, a fait quelques très belles reprises, dont Béatrice Ardisson fait son beurre. Pour ne rien gâcher, la pochette du 45 tours est belle. Régalez-vous.

Le contrepied est total, on est passé d'une chanson sale, sussurée après quelques verres dans un bar bruyant, à un gratoullage gentil chantonné depuis le hamac. Et le plus étonnant c'est que ça fonctionne parfaitement. S'il y a une verson dont on peut la rapprocher, en dehors de celle des Four Tops, c'est celle du fabuleux Edmundo Ros, qui n'en était pas lui non plus à son coup d'essai. Sa version, celle d'un big band latino, de ceux qui déversaient calypsos et mambo dans les grands hotels, est donc instrumentale, et témoigne d'un joli talent d'arrangeur.

Les Doors, pour moi c'est avant tout un groupe de blues, un blues déjanté mais tout autant du blues que les titres de Jimi Hendrix. Alors qui mieux que Etta James pour chanter Light my fire ? Son blues a elle est presque toujours très arrangé. Elle avait une voix pour devenir une déesse de la soul, mais son blues penche légèrement plus vers le jazzy que le R'n'B. Très orchestrée là encore, sa version est une des plus bluesy et donc des plus proches de l'univers de l'original.
Quoique, dans le genre proche de l'original mais délirant, Mae West, oui vous avez bien lu, Mae West a fait très fort. Avec un vibrato à rendre chèvre Julien Clerc et ferait le bonheur d'une pub Polydent, soutenu par petites touches par un choeur finalement inutile, elle balance avec classe avec un orgue bien mené. Souvenez-vous d'une scène des 39 marches de Hitchcock, tourné dans les années 30, à l'encyclopédie vivante un spectateur irrévérencieux demande "age of Mae West?", laissant entendre qu'il est déjà canonique. Ajoutez 35 ans et vous aurez la chanteuse qui reprend les Doors.

Comme quoi ce titre n'a pas attendu le beat de Massive Attack et la voix de Horace Andy pour réserver des surprises :-)

Je terminerai prochainement ce tour d'horizon. Et d'autres chansons auront droit à des articles du même genre :-)

enfin un vrai thème à la con :-)

Mais aussi l'occasion de se pencher sur 3 chansons de très gros calibre. Dont le point commun est de reposer sur la même onomatopée, "fa fa fa", qui en anglais ne veut rien dire, et surtout pas la note de musique (le fa se dit "F" en anglais comme en allemand). Autrement dit, c'est rien de plus que notre lalalalala bien de cheuh nous. Intérêt?
Limité, l'intérêt, disons que ça m'a surpris que non seulement ces bonnes chansons utilisent la même onomatopée, mais qu'en plus ce soit précisément elle qu'on retienne, c'est la partie la plus accrocheuse et qu'on reprend presque spontanément dès la première écoute.
Une chanson d'amour par un des plus grands spécialistes du genre, un modèle de rock "mod" (disons punk-rock, pour ceux que ça aide), et un groove déjanté par de beaux allumés de l'avant-garde new yorkaise. On n'est pas dans la merde, tiens.

Otis Redding Fa-fa-fa-fa-fa (sad song)


the Jam David Watts

au passage vous aurez relevé que le motif au piano (et donc la mélodie pricipale) pompe outrageusement le Let's spend the night together des Rolling Stones. Mais bon, je suis pas là pour cafeter, disons qu'on a rien vu. En plus, vraiment aucun rapport, vu que les Stones y chantent "pap padada pap padada"... autant dire que les paroles sont très éloignées de celles de Jam. Mais ce blog n'est pas un cours de littérature, cessons là.

Talking heads psycho killer

Maintenant vous savez quoi passer à la prochaine soirée avec vos potes.
"Allez, tous avec moi....